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Formazione dei Direttori di Coro nella Cultura Corale Svedese: Interviste a Sette Importanti Direttori Svedesi

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I direttori di successo mostrano molteplici qualità che permettono loro di comunicare e di esibirsi ad alto livello. Indipendentemente dall’età o dal livello di professionalità dell’ensemble, i direttori di rilievo possiedono un ampio vocabolario gestuale, la conoscenza della partitura, le capacità organizzative e gli strumenti psicologici per motivare e sviluppare i talenti di ogni gruppo corale. Mentre alcune di queste abilità sono facilmente identificabili, i direttori potrebbero trovare alcuni fattori meno tangibili e quindi più impegnativi da implementare nella loro pratica e nel loro insegnamento. Con una lunga lista di priorità e un tempo di prova limitato, ogni direttore e insegnante di direzione di coro deve fare delle scelte per includere alcuni fattori e per escluderne altri. Quali sono le competenze e i talenti che per i direttori di successo di oggi sono indispensabili?

Quando e come hanno acquisito queste competenze? Cosa includerebbero nella loro lista di priorità necessarie per lo sviluppo dei futuri direttori?

Il mondo della musica conosce da tempo la cultura corale svedese. Considerando che la Svezia ha una popolazione relativamente piccola di nove milioni di abitanti, un numero impressionante di artisti svedesi di successo si è messo sotto i riflettori durante il ventesimo e il ventunesimo secolo. Il direttore di coro, insegnante, pedagogo e innovatore Eric Ericson si è guadagnato l’attenzione negli Stati Uniti e nel mondo attraverso i suoi corsi di perfezionamento, le sue tournée, i film (Il Flauto Magico) e le registrazioni. Ha anche commissionato e presentato in anteprima numerose composizioni corali, molte delle quali sono diventate parte del repertorio corale. Sebbene sia morto nel 2013, i suoi studenti hanno continuato la sua eredità attraverso le loro posizioni di rilievo nella musica corale in tutto il mondo.

L’autore di questo articolo ha trascorso due mesi in Svezia, durante un semestre di ricerca, per osservare e intervistare direttori di spicco per scoprire ciò che è ritenuto più importante per raggiungere il successo come direttore e insegnante di direzione. Come hanno iniziato a lavorare nel campo della musica? Quali sono i talenti e le capacità che si identificano come fondamentali per i direttori di successo? A cosa attribuiscono la loro ascesa alla notorietà? Le loro esperienze potrebbero aiutarci a migliorare il nostro lavoro e ad avere un impatto più positivo sulla formazione dei futuri musicisti negli Stati Uniti? L’autore spera di individuare i fili comuni che possono aver contribuito al successo di questo gruppo di direttori e che noi in Nord America potremmo incorporare nella nostra pratica e nella formazione dei nostri studenti per contribuire a facilitare la loro carriera.

Sei degli interpellati hanno generosamente donato il loro tempo per interviste personali in Svezia. Ragnar Bohlin, nato e cresciuto in Svezia ma attualmente residente a San Francisco, ha gentilmente accettato un’intervista via Skype. Agli intervistati sono state poste le stesse domande. Le risposte sono state trascritte e poi redatte nella lunghezza necessaria per adattarsi alla lunghezza di questo articolo.

Direttori intervistati e posizioni attualmente ricoperte

Lena Ekman Frisk è assistente alla Malmö Academy of Music. Oltre ai suoi compiti di insegnamento, è direttore del Southern Choral Center, presidente dell’Associazione Corale Svedese e direttore del Motet Choir di Kristianstad. Ha trascorso un anno come membro della facoltà di scambio presso la Bowling Green University (Ohio).

Erik Westberg è professore di direzione corale e canto corale al Piteå College of Music, Luleå Technical University. Il suo coro professionale, l’Erik Westberg Vocal Ensemble, è ben noto attraverso le sue registrazioni e le sue numerose commissioni di nuove opere. Ha anche insegnato per un anno alla Wesleyan University (Connecticut).

Mats Nilsson è professore associato di direzione di coro al Royal College of Music (RCM) di Stoccolma ed è anche direttore musicale della Chiesa di Maria Maddalena. In passato ha diretto e insegnato in Australia e Norvegia.

Gary Graden è nato negli Stati Uniti d’America ma vive in Svezia da più di trent’anni. È direttore musicale alla Cattedrale di Stoccolma alla St. Jacob’s Church e si esibisce anche con il suo trio, WÅG, esplorando il repertorio di improvvisazione per voce e strumenti. Insegna in sessioni estive negli Stati Uniti al Westminster Choir College (New Jersey).

Robert Sund si è ritirato dalla carriera come interprete (Eric Ericson Chamber Choir, Kvintetten Olson, e diversi ensemble strumentali) e come direttore (Allmänna Sången, Orphei Drånger, La Cappella, Uppsala Musikskolas Kam-markör, Robert Sund Chamber Choir, professore alla RCM) ma continua a comporre e a dirigere cori a livello internazionale.

Cecilia Rydinger Alin è stata recentemente nominata vicerettore e professoressa alla RCM. Nel 2008 è diventata la prima direttrice del rinomato coro maschile Orphei Drängar, iniziato nel 1853. Ha lavorato regolarmente come freelance nei teatri d’opera di tutta Europa.

Ragnar Bohlin è stato nominato direttore del San Francisco Symphony Chorus nel 2007. Insegna al Conservatorio di San Francisco, è direttore artistico della Cappella San Francisco, ed è stato professore ospite all’Università dell’Indiana.

Come hai cominciato con la musica? Chi sono state le tue principali fonti di ispirazione?

Frisk: Mia madre era un’insegnante di pianoforte e mio padre era organista e direttore del coro della chiesa, così sono cresciuto suonando il pianoforte e cantando nei cori di mio padre in chiesa. Mio padre era anche un buon pianista jazz, e ha scoperto un ottimo pianista jazz al Malmö College of Music. Ammiravo quest’uomo, Kjell Edstrand, e prendevo lezioni private da lui. In realtà ho praticato molto più il pianoforte jazz che la musica classica!

Westberg: Cantare con Eric Ericson era la cosa più importante. Non tanto per le sue lezioni, anche se erano molto belle, ma solo per vederlo provare – le sue mani e il suo modo di suonare il pianoforte.  Significava tanto per me, e ci siamo frequentati molto.  Sono andato spesso a trovarlo a casa sua nel corso degli anni e poi in ospedale durante i suoi ultimi anni. Inoltre, molto significativi sono stati gli insegnanti di Ear Training e Orchestra alla Scuola Alfred Fredriks Musikkklasser, e Kjell Ingebretsen, un direttore d’opera norvegese.

Nilsson: La mia insegnante di pianoforte, Greta Ericson, è stata determinante, e naturalmente Eric Ericson. Un altro insegnante di direzione, figura per me di riferimento, era Anders Öhrwall. Non so se è un nome famoso, ma ho cantato nel suo Coro Bach, che è stato il luogo in cui ho avuto il mio primo interesse per la musica barocca. È stato molto importante per me quando mi sono trasferito a Stoccolma dove ho iniziato i miei studi. Ma Eric, naturalmente, ha avuto un ruolo determinante durante la mia formazione.  Devo menzionare le sue bellissime mani, che potevano ottenere il massimo livello di cantabilità, ma anche il modo in cui lavorava con le persone, la sua generosità. Ed è sempre stato capace di fare musica con gioia. Tecnicamente, riusciva a raggiungere il massimo equilibrio o la massima intonazione concentrandosi su una sola nota e attirando l’attenzione del coro su quella tona. Immediatamente l’accordo andava a posto. Ci ha insegnato gli accordi e la gerarchia degli accordi e le relazioni di intonazione.

Graden: Avevo già molta passione quando ero un bambino nel Rhode Island. Ho iniziato nel coro dei ragazzi, e il direttore era anche il mio insegnante di pianoforte e di canto, e mostrava un certo amore per la musica corale. Nel 1968 sono stato in tournée con il coro dei ragazzi in Europa per sei settimane e questo è stato molto importante. Altri direttori fondamentali sono stati Gerald Mack ed Eric Ericson. Dopo aver finito ad Hartt, sono venuto in Svezia. Volevo fare un corso con Eric per tre mesi circa, come si può fare negli Stati Uniti. Non andavo a scuola, ma ero un buon tenore, e lui mi chiese di cantare. Ho detto a Eric che volevo studiare direzione e lui mi ha risposto che non potevo. Gli altri studenti avevano fatto un’audizione per questi posti, così ho aspettato da ottobre a marzo per l’audizione e sono stato subito accettato.

Sund: Il mio primo grande maestro è stato il direttore di un’orchestra di danza, in cui ho suonato da adolescente. Molti gruppi a quel tempo lavoravano con l’intera orchestra, ma il nostro direttore ha eliminato il piano, il basso e la batteria e ha lavorato solo con i fiati. Ci diceva come esprimerci, come ascoltarci l’un l’altro per l’equilibrio e come fare musica insieme. Ho anche iniziato a scrivere gli arrangiamenti per questo gruppo. Ho scritto una cinquantina di pezzi, quasi tutti all’età di quattordici anni. Non avevo preso lezioni – e tuttora non ho mai preso lezioni di composizione o di arrangiamento! Il secondo è stato, naturalmente, Eric Ericson, che è stato in realtà il mio unico insegnante di direzione. Quando sono diventato suo allievo, ero stato suo direttore associato per tre anni. A quel tempo avevo già una carriera come psicologo, ma mi si presentavano sempre più opportunità musicali. Nel 1970 sono stato eletto direttore di Allmänna Sången ed ero giovane e stupido e ho detto “sì”. Capii allora che dovevo imparare qualcosa su questo argomento. Avevo preso lezioni di pianoforte, ma non sapevo nulla di teoria, storia, contrappunto, direzione … nulla. Ho fatto domanda al Royal College, e mi hanno accettato anche se avevo ventinove anni e il limite d’età era di ventotto.

Alin: Sono stati uno o due gli insegnanti che per me hanno giocato un ruolo importante, sviluppando il mio pensiero e le mie idee sulle possibilità, mettendo insieme estetica ed etica. E naturalmente anche Eric, ma con Eric ho imparato il repertorio, il modo di gestire un coro, non solo la tecnica di direzione, ma lo spazio sonoro che aveva nel suo gesto.  Ho cantato con lui per sei anni nel Chamber Choir del Royal College. Eric è stato quello che mi ha aiutato ad inserirmi con l’Allmänna Sången, l’ho conosciuto molti anni dopo. Questo è stato il mio primo passo per una carriera professionale. Senza Eric probabilmente sarei stato un musicista di chiesa invece di quello che sono oggi. Ricordo che nel 2012 sono andato a trovare Eric (94 anni) e ho menzionato alcuni dei lavori di direzione che avevo in programma. Ho detto: ‘Credo sia meglio che mi prepari per questi lavori’. Lui si è girato verso di me e mi ha risposto: ‘Che tu sia dannato se non lo fai!’ Lo disse con amore, senza mai perdere di intensità o abbassando le sue aspettative!

Bohlin: Sono cresciuto con un certo background corale perché entrambi i genitori erano musicisti di coro. Ci sono stati concerti corali, feste corali nella nostra casa, tournée corali … Quando avevo 17 anni ho fatto il mio primo viaggio che non era una tournée corale! Il mio interesse principale all’epoca era il pianoforte, ma suonavo anche il violoncello e l’organo. Ho cantato molto, ma la direzione era lontana dalla mia mente. Ho cantato sotto la guida di Ericson nel Royal College Chamber Choir, e poi ho ottenuto il mio lavoro di corista e organista, così ho potuto sviluppare il mio stile personale usando cose che ho visto fare ad Ericson. È stata la sua ispirazione che mi ha portato a conseguire il diploma di direttore.  Questo mi ha dato la possibilità di applicare le cose che ho imparato durante le sue prove e di provarle con il mio ensemble.

Quale aspetto della sua formazione è stato più prezioso durante la sua carriera?

Frisk: Come musicista corale, considero quattro le abilità più importanti: la voce, la direzione, il pianoforte e i metodi d’insegnamento. Ho avuto così tanti insegnamenti – ho cantato nei cori e ho preso lezioni di pianoforte, canto, violoncello e flauto dolce. Al Malmö College of Music, ho avuto lezioni di pianoforte da tre diversi insegnanti ogni settimana: pianoforte classico, jazz e improvvisazione, e una classe che insegnava a trasporre, suonare da partiture, suonare a orecchio e leggere l’armonia. Contemporaneamente prendevo anche lezioni di canto, di storia della musica, di teoria. Non potevamo scegliere un genere: cantavamo musica classica, jazz e folk. Era un’ottima educazione, ma oggi non si fa più perché è troppo costoso: gli studenti scelgono uno o due tipi di musica da studiare.

Westberg: Penso spesso al modo in cui Ericson faceva musica. Cantare con lui è stato il 55-60% della mia formazione. Bastava guardare le sue mani… E naturalmente era molto importante far parte del consiglio del Coro da Camera, dove ho imparato a conoscere tutte quelle attività non musicali che rendevano possibile far musica. Utilizzo anche le competenze che ho appreso dal mio insegnante di pianoforte. Direi che insegnare ai miei studenti ad osservare le mie prove è molto importante.  E poi, ho fatto così tante registrazioni, che è stata la seconda parte fondamentale nella mia formazione. Il mio produttore ha ascoltato con orecchie attente; ho imparato molto da lui ed ora passo queste informazioni ai miei studenti.  Guiderò i miei studenti, devono essere in grado di stare in piedi davanti a un coro e fare qualcosa di interessante.  Mi ci è voluto un bel po’ di tempo per diventare un buon insegnante.

Nilsson: Beh, penso che tutto quello che ho imparato da Ericson sia stato il suo talento musicale, la sua capacità di guardare alla musica più che a se stesso e la sua capacità di dedicarsi totalmente alla musica. Ho imparato il massimo da lui cantando con lui.

Sund: Una parola che per me è importante è ‘energia’. Ho visto direttori d’orchestra di talento con poca energia, e non ottengono risultati. Bisogna essere sempre molto energici, lavorare costantemente per mantenere le persone impegnate. Chiamatelo carisma: se riuscite a far fare alle persone quello che chiedete loro è più importante di qualsiasi altra cosa. Naturalmente, devi sapere cosa stai facendo. Se non sai cosa dire, o se aspetti troppo (prima di dare istruzioni), è difficile per il tuo coro. Un’altra parola è ‘conoscenza’. Ma sempre più spesso penso che questa conoscenza sia meno importante.

Alin: La prima cosa – e può sembrare pretenziosa – è che si dovrebbe sempre essere sinceri e onesti con il proprio modo di fare musica, con la propria musicalità e con la propria personalità. Dobbiamo mostrare onestà nel presentarci come direttore e la volontà di lavorare insieme agli altri. Tecnicamente, non c’è una sola verità. Ci sono milioni di direttori d’orchestra, e ognuno di loro comunica attraverso il proprio corpo, le braccia e il viso, quindi questo deve essere personale – il proprio linguaggio del corpo. Da Eric ho imparato a pensare al suono, a pensare all’equilibrio e all’intonazione, a pensare al calore senza il vibrato dei cori russi o il non vibrato di Gardiner, ma qualcosa in mezzo. Inoltre, mi ha insegnato l’uso della lingua, la conoscenza delle vocali e delle consonanti. Naturalmente, tutti i direttori devono avere una profonda conoscenza della partitura e una accurata conoscenza di ciò che fanno le mani.

Bohlin: Avere Ericson come modello da osservare con un ensemble ad altissimo livello. È così vero – si impara semplicemente osservando. Ma vedere quel processo al più alto livello possibile… penso che sarebbe una cosa preziosa per un giovane studente. Poter suonare il pianoforte è molto importante. So che non tutti i direttori di coro lo fanno, ma mi è stato di grande aiuto. Penso anche che sia fondamentale avere una formazione come cantante [Bohlin ha studiato con il leggendario tenore Nicolai Gedda]. Anche in questo caso, so che alcuni direttori non cantano, ma mi è stato di grande aiuto avere una buona educazione della voce. In questo modo si può dire agli studenti di direzione di cantare la frase, poi si lascia che quella frase fluisca tra le braccia e si crea un gesto. Per quanto riguarda la tecnica, non mi sembra di essere mai entrato in un processo in cui mi sono trovato davanti a uno specchio e ho risolto tutto. Ho osservato Ericson e gli altri direttori e poi l’ho applicato senza pensarci troppo. Ho lavorato da un punto di vista pratico, perché avevo un gruppo di cantanti davanti a me e avevo bisogno di loro per fare musica. ‘Come faccio a farli riunire in un momento di crisi? Come faccio a dare forma a una frase? Come faccio a creare una linea? Come faccio a mettere insieme la ‘t’ sulla chiusura?’ Naturalmente ho fatto l’analisi, il ‘nuoto a secco’ come lo chiamiamo in Svezia, esercitandomi da solo, ma non molto. Le cose che faccio mi sono venute quasi inconsciamente. Quando insegno, dico ai miei studenti di direzione che sono cantanti, di attingere alle loro conoscenze.

Può commentare la sua esperienza con i cori e i direttori di Americani, magari citando alcune delle differenze che ha notato?

Frisk: Mi sono divertito molto durante l’anno in cui sono stato al Bowling Green ed ho imparato così tanto. Innanzitutto, le situazioni nelle università americane sono buone: non tante ore di presenza in classe, c’è tempo per la ricerca e l’attività creativa come anche per per prepararsi alle lezioni. Gli insegnanti in America sembravano essere molto rispettati. L’opzione dell’anno sabbatico è fantastica! E avere un pianista accompagnatore durante le prove, come fanno molti direttori americani, permette ai direttori di fare molto di più. In generale, sembra che ci siano molti studenti che cantano e grandi cori. È possibile creare tanti tipi di cori differenti. Lo stato della musica corale era alto, forse più alto di qui. Gli studenti di direzione che ho avuto erano abbastanza bravi ed erano molto interessati. Ma una cosa che ho notato è stato il minor rispetto per i vari generi. Studiano e hanno considerazione quasi esclusivamente per la musica classica tradizionale occidentale. Tutto ciò è un po’ triste. Ho anche detestato molto il sistema di valutazione. Il sistema è facile, applicare un numero, ma non necessariamente questo riflette un reale processo di apprendimento o il pensare profondamente. Molte volte le scartoffie e la burocrazia erano più importanti della crescita degli studenti, della discussione e della messa in discussione delle cose.  Penso che il metodo qui sia migliore – non abbiamo alcuna valutazione nel College. Si passa o non si passa.  Mentre ero in America, ho visto persone che consegnavano i compiti e avevano un buon voto, ma non avevano la comprensione di ciò che avevano appreso.  L’altra cosa che ho imparato è che l’educazione americana non insegna abbastanza, specie in giovane età, le altre lingue. Di conseguenza, i suoni diversi dalla pronuncia dell’inglese americano sono a volte molto impegnativi. Sarebbe un bene per la cultura e la vita musicale se gli studenti potessero studiare più lingue durante i primi anni al college.

Westberg: Sono sempre stato colpito dai cori americani perché cantano a memoria, senza partitura in mano. È sorprendente vedere i cori di una convention dell’ACDA cantare in questo modo. Una delle principali differenze che ho sperimentato con i cori americani – anche se ho un’esperienza limitata – è che il vibrato sembra essere una parte costante del suono. Nel mio Erik Westberg Vokalensemble, a volte devo chiedere loro di usare un po’ di vibrato quando cantano con l’orchestra o in un programma di coro d’opera, per esempio. Ma per noi è possibile impostarlo e in Svezia non parlo molto di vibrato.

Nilsson: Non ho avuto molta esperienza con i cori americani, ma ho tenuto alcuni workshop con loro, e ho fatto parte della giuria di molti concorsi corali europei, dove ho sentito buoni cori americani. Quello che trovo è che sono sempre molto ben preparati. Non sempre mi piace il suono, perché trovo che a volte hanno questo vibrato ‘statico’. Non so da dove venga, ma per me non è un suono naturale – non è quel suono spontaneo che conosciamo bene in Scandinavia. Per me è un po’ artificiale come timbro. Alcuni pensano che il nostro suono derivi dalla nostra lingua – non abbiamo così tanti dittonghi, e la nostra lingua è abbastanza avanti nella nostra bocca. Nelle nostre prove, comunque, non parliamo molto di suono.

Graden: I direttori americani che ho osservato lavorano in un ambiente scolastico e devono essere buoni insegnanti. Si sviluppa una capacità di insegnamento e si è bravi! Avete un piano della prova, sapete cosa volete fare e lo fate! È impressionante da vedere. Se vedessero le mie prove, potrebbero dire: ‘Cosa?’ Non mi occupo del riscaldamento, non scelgo con cura il primo pezzo – mi dedico al brano che richiede più lavoro. Ho alcune cose (pianificate), ma la maggior parte delle cose che dico riguardano l’intonazione, seguendo il lavoro di Per-Gunnar Alldahl Inizio il lavoro come se conoscessero il pezzo – mi comporto come se potessero leggerlo. Alla fine, devono farlo. Non posso farlo per loro. Mi è piaciuta molto la mia esperienza con i cori americani: gli studenti hanno molto talento. Forse a volte spero che le mie idee sull’intonazione vengano mantenute meglio di quanto non siano, ma devo assumermi una certa responsabilità anche per questo.

Sund: Ci sono così tanti cori americani che è difficile dare una descrizione per tutti. Diversi cori in diverse parti del paese suonano in maniera diversa! C’è qualche problema con i cori americani a causa del vibrato. I migliori cori universitari spesso attirano i migliori cantanti solisti, e i cantanti lirici che studiano canto solista usano il vibrato. Il vibrato piccolo funziona bene, ma il vibrato più grande non può essere accordato. Devo dire che sono rimasto molto impressionato dagli sviluppi avvenuti negli Stati Uniti sin dalla prima volta che sono andato a una convention negli anni ’80. Credo di esserci stato ogni due anni da allora, e i cori sono molto migliorati e più interessanti ora.

Alin: Ho fatto parte di giurie e ho sentito alcuni cori americani. Hanno una buona espressione, conoscono la musica a memoria e la sanno presentare.  A volte mi disturba il fatto che abbiano troppo vibrato. Vorrei un suono più raffinato – a volte è un po’ dappertutto. Sembra che l’espressione superi un’esecuzione più equilibrata. Ma il vibrato è la caratteristica più importante. Deve avere qualcosa a che fare con la cultura del canto, con quello che si impara a scuola o con la lingua. La cultura del canto in Svezia è unica, e penso che contribuisca al nostro suono. Molti bambini sono stati cresciuti cantando in passato, ma ora abbiamo così tante culture differenti che vivono in Svezia che la nostra sfida sarà quella di portare queste persone nella cultura musicale.

Bohlin: Mi viene spesso chiesto di confrontare i cori americani con quelli europei, e di solito lo evito. Ci sono così tanti cori che è impossibile generalizzare. Forse in un paese piccolo come la Svezia si può generalizzare di più, ma esito a farlo sui cori americani. La mia prima conferenza all’ACDA è stata nel 1986, e la prima cosa che mi ha colpito è stata che anche i cori delle scuole superiori avevano molto vibrato. Non era naturale: lo utilizzavano perché pensavano che suonasse meglio. Ma naturalmente, anche alcune delle scuole americane avevano meno vibrato molti anni fa, quella di Christiansen, per esempio. La qualità migliore del canto corale negli Stati Uniti si trova nelle università, ma in Svezia in passato avevamo così tanti fondi (dallo Stato) per la musica sacra che siamo stati in grado di arrivare ad un livello professionale anche se il coro era amatoriale. In Svezia abbiamo scuole corali come la Alfred Fredriks Musikkklasser, che danno ai giovani studenti l’opportunità di frequentare una scuola regolare che ha un coro all’interno del curriculum regolare dove cantano in coro, ogni giorno. Che cosa incredibile! Questo significa che ogni anno gli studenti si diplomano già con un enorme background corale. Sono ben preparati e hanno una grande comprensione. Negli Stati Uniti c’è più attenzione al lato accademico della musica nella formazione dei direttori. Quando ho visto i programmi dei cori delle università americane, ho notato alcuni dei temi profondi e accademici che stavano studiando e l’attenzione che vi dedicavano. Avevano grandi cori, e gli studenti direttori hanno avuto molto tempo per salire sul podio. Non ricordo una cosa simile durante la mia formazione – era scarsa dal punto di vista accademico e si concentrava sull’applicazione pratica. Ho imparato molto dai miei studi pratici al di fuori della direzione che uso ora.

Chi sono i grandi compositori svedesi, passati e presenti? Chi consiglia come compositore che si rivolge agli interpreti e al pubblico?

Frisk: Per prima cosa, raccomanderei un sito web: KVAST.org. Questa è una compilation di compositrici svedesi. Dobbiamo riconoscerle e promuoverle perché la scena è così dominata dai compositori maschi. Io raccomanderei in modo particolare: Karin Rehnqvist, Fredrik Sixten, Otto Olsson, Waldemar Ahlen, Anna Cederberg-Orreteg e Anders Edenroth.

Westberg: (Nota dell’autore: Westberg ha commissionato oltre quaranta nuove opere corali, di cui circa un terzo fa ora parte del repertorio corale regolare). Ho dei legami molto stretti con il mio collega di composizione, Jan Sandström, e con i suoi studenti, alcuni dei quali diventeranno dei meravigliosi compositori. L’ex studente di Jan, Emil Råberg, ha scritto musica non sperimentale ed è molto perspicace. Johannes Pollack è un altro studente che scrive molto bene per i cori. Scrive musica che uno sembra riconoscere, anche se non l’ha mai sentita prima! Kristen Hannsén è un’altra studentessa che sembra avere un buon talento per la composizione corale.

Nilsson: Sono ancora affezionato alla vecchia generazione, come Ingvar Lidholm. Ha scritto un solo pezzo ogni dieci anni, ma sono tutti fantastici, a cominciare dalle Laudi nel 1947. Sven-Erik Bäck è un altro. Nella generazione attuale, Sven-David Sandström, Thomas Jennefelt e Karin Rehnqvist, che insegna qui (RCM).  Fa le cose a modo suo, spesso usando quello che noi contraddistinguiamo con ‘kulning’ (chiamata). Abbiamo alcuni ottimi compositori a Stoccolma, per esempio Emil Råberg. Sono sempre alla ricerca di altri giovani compositori di talento, ma molti di loro scrivono musica a 16 o 32 parti, mentre io cerco qualcuno che sappia scrivere della buona musica, magari solo a quattro parti. Qualcosa che sia di qualità eccellente, non solo complessa.

Graden: Bo Hansson, Michael Waldeby, Martin Larsson e Sven-Erik Bäck.

Sund: Penso che tutti dovrebbero conoscere Wilhelm Stenhammar. La Finlandia ha Sibelius, la Norvegia ha Grieg e la Svezia ha Stenhammar. Non ha scritto molta musica per coro, ma ha scritto delle cose molto buone. August Söderman è un buon compositore del XIX secolo, e Lars-Erik Larsson ha molta musica. Il suo Dio sotto Mentite Spoglie per coro e orchestra è cantato in tutta la Svezia. Lo consiglierei anche: Hugo Alfvén, August Söderman, Åke Malmfors, Lars Johan Werle, Sven-Erik Bäck, Sven-David Sandström, Jan Sandström, Lars Edlund, Ingvar Lidholm, Bengt Hallberg, Nils Lindberg, Daniel Helldén, Eskil Hemberg, Johan Magnus Sjöberg, Sven-Eric Johan-son, Arne Mellnäs, Bo Nilsson, Anders Nyberg, Anders Öhrwall, Otto Olsson, Folke Rabe, Georg Riedel, Karin Rehnqvist, Agneta Sköld, Fredrik Sixten, Karl-Erik Welin e David Wikander.

Alin: Hugo Alfvén, B. Tommy Andersson, Sven-Erik Bäck, Lars Edlund, Gunnar Eriksson, Hans-Ola Eriksson, Gunnar Hahn, Bo Hansson, Anders Hillborg, Thomas Jennefelt, Sven-Erik Johansson, Ingvar Lidholm, Olle Lindberg, Åke Malmfors, Gösta Nystroem, Håkan Park-man, Wilhelm Peterson-Berger, Per-Gunnar Petersson, Emil Råberg, Karin Rehnqvist, Jan Sandström, Sven-David Sandström, Fredrik Sixten, Wilhelm Stenhammar, Robert Sund, Joakim Unander, Lars-Johan Werle e David Wikander.

Bohlin: Credo che Fredrik Sixten sia il compositore più pubblicato in Svezia. Ho avuto una stretta collaborazione con lui fin dall’inizio della mia carriera. È molto eclettico, per lo più tonale, ma con un tocco che ti sorprende. Capisce la voce e il mezzo corale. Un altro nome è Mårten Jansson. Lavora a Uppsala, e ha appena iniziato ad essere pubblicato da Bärenreiter. Poi, naturalmente, Sven-David Sandstrӧm, Jan Sandstrӧm, e Thomas Jennefeldt. Sono tutti molto attivi e scrivono musica molto interessante.

Cosa vedete nel futuro della musica corale in Svezia?

Frisk: La gente sa, ovviamente, di Eric Ericson e del Coro della Radio svedese, ma penso che si possa dire che ci siamo adagiati un po’ su questa reputazione. Ricordo che nel 2009, quando eravamo al Simposio della Federazione Internazionale di Musica Corale di Copenhagen, ascoltavamo cori provenienti da altre parti del mondo ed erano fantastici! Noi musicisti svedesi ci siamo confrontati in seguito e abbiamo concordato che non possiamo più dire di essere i migliori. Ci sono meravigliosi cori dall’Indonesia, dalla Cina, dal Sudafrica e dall’America – e non hanno più necessariamente quel tono pesante con tanto vibrato! Alcuni di noi pensavano che i nostri cori svedesi fossero quasi noiosi rispetto ad altri cori. Non siamo così colorati, e per certi versi i nostri cori hanno lo stesso suono che avevamo negli anni ‘40. Abbiamo problemi a reclutare coristi, soprattutto uomini, ed è difficile farli continuare a venire regolarmente a cantare nei nostri cori. Parte della ragione di questo – e molti sono d’accordo con me – è la tendenza a passare dal pensiero collettivo al pensiero individuale. Quando eravamo a scuola ricevevamo un compito dall’insegnante e tutti lo svolgevano. Ma ora pensiamo che sia necessario incontrare ogni bambino individualmente per affrontare i problemi che gli studenti possono avere. Un bambino si abitua al pensiero individuale e non pensa più in modo collettivo. Si concentra su sé stesso e su ciò che vuole fare. Se non gli piace, abbandona e passa a qualcos’altro. Questo lo vediamo nella vita corale. I cori a progetto sono molto popolari: si decide su un progetto musicale, si invita la gente a partecipare per un breve periodo – forse dieci settimane – e si ha finito. Questi gruppi riuniscono così tante persone! Inoltre, il ‘tutti possono cantare in coro’ a volte usando una ‘scheda clip’. Le persone comprano una tessera che poi fa timbrare quando assistono alle prove. La tessera dà diritto a un certo numero di prove, ma non è necessario che siano presenti ad ogni prova. Il fine non è più la formazione musicale e un concerto artistico, ma l’unione sociale e la scelta personale – nessun obbligo per l’ensemble.

Westberg: La gente ora organizza spesso piccoli gruppi di dodici o sedici voci. È molto più difficile ora che qualcuno si impegni in un coro per trent’anni come una volta. A volte un cantante sente parlare di un altro coro e decide di passare all’altro coro. La mentalità ora è molto più egocentrica che impegnata nel gruppo. Quando ero nel Chamber Choir con Eric Ericson, non ci è mai venuto in mente il pensiero di mancare a una prova. Ci aspettavamo di essere lì ed eravamo impegnati a esserci. Ora, questo impegno non sembra far parte della mentalità.

Nilsson: Credo che l’intera situazione del coro sia cambiata in qualche modo. La gente ora è interessata solo a progetti a breve termine. Faccio progetti con il mio coro giovanile nella chiesa di Maria Maddalena, e mi sembra che si addica a loro. In passato ogni corista era lì ogni settimana, ma ora i giovani pensano: ‘Cosa ci guadagno? Voglio essere una star solista’. Ne abbiamo parlato molto qui (RCM) con i miei colleghi. Una volta la mentalità era: ‘Devo essere alle prove! Non posso mancare alle prove!’ Ora non succede spesso. È più difficile far sì che la gente si impegni per le prove regolari.

Sund: Sono un po’ pessimista sul futuro, in parte perché ci sono meno bambini che cantano a scuola. Abbiamo meno ragazzi che cantano e meno cori di ragazzi ora. Lavoro spesso in Germania, ed è la stessa cosa anche lì. La gente ora sembra avere meno tempo di noi negli anni ’60, ’70 e ’80. Abbiamo così tante cose che ci disturbano ora nella nostra vita, come i telefoni cellulari. La gente è sempre al lavoro! Una volta sono stato in tournée negli Stati Uniti per sei settimane. Ve lo immaginate adesso? È un’altra cosa.

Alin: Sembra che abbiamo meno giovani che cantano; di sicuro abbiamo meno persone che fanno domanda per entrare a far parte di Orphei Drӓnger. Anche il mio amico del Coro della Radio Svedese conferma che ci sono meno persone che si candidano per un posto di lavoro. Sono in parte responsabile (al RCM) di produrre buoni insegnanti di musica e cantanti per le scuole per costruire questo, ma tutto ciò è anche il risultato di decisioni politiche sbagliate. I politici hanno eliminato la musica nei livelli inferiori delle scuole e hanno eliminato i progetti artistici al liceo. I giovani che vogliono iscriversi all’istruzione universitaria devono avere un certo numero di punti accademici. I politici hanno conferito alle materie artistiche meno punti che a quelle scientifiche, fatto che fa selezionare solo alcune materie da parte degli studenti. Ma dobbiamo continuare a parlare di Eric Ericson e della tradizione svedese e dobbiamo svilupparla e incoraggiarla.

Bohlin: Finché le scuole corali fioriscono, vedo un futuro brillante per la musica corale svedese. Negli anni in cui sono stato negli Stati Uniti, mi sono reso conto che quelle scuole sono la chiave, perché le chiese sono un po’ in declino. Le scuole corali, le scuole elementari e le scuole superiori con il canto corale nel curriculum sono importanti. L’altra cosa è Eric Ericson e il ‘Bjorn Borg Effect’.  L’effetto con Ericson è sicuramente così, ma non può durare a lungo. Oggi ci sono molti giovani direttori d’orchestra che non hanno visto o lavorato con Ericson, ma questo è ancora un elemento vitale importante del perché la scena corale svedese è quello che è.

Riassunto

È difficile fare confronti esatti tra due culture diverse quando si studia la formazione e l’istruzione dei direttori. La diversità dei sistemi educativi e dei fondi messi a disposizione dallo Stato hanno un impatto significativo sull’arte e sulla professione. Ma quali sono le idee e i concetti critici che i nostri colleghi svedesi di successo hanno adottato e che potremmo incorporare nelle nostre situazioni? Quali sono stati i fili comuni che hanno contribuito al successo degli intervistati?

Ogni direttore ha parlato dei suoi primi contatti con il mondo musicale, di qualcuno che ha esercitato una forte impressione su di loro quando erano bambini. Alcuni hanno ricevuto sostegno e formazione a casa loro, per altri è stato un insegnante alla scuola elementare o un insegnante speciale di pianoforte o direttore di coro. Fornire un’educazione musicale di qualità e avere esperienze musicali di alto livello in tenera età può avere un impatto duraturo sulla formazione musicale per tutta la vita. Chi di noi è insegnante dovrebbe ricordare che possiamo avere un ruolo personale, potente e duraturo sui nostri studenti e sulla professione.

Diversi intervistati hanno sottolineato l’importanza delle proprie esperienze corali nella scuola elementare. Hanno lamentato il fatto che attualmente in Svezia ci sono meno bambini che cantano e che la situazione è simile in alcune parti degli Stati Uniti, ma la presenza di ‘scuole corali’ svedesi, cioè di scuole pubbliche che praticano discipline musicali, aiuta a creare una cultura corale più sana. Quali sono le competenze che questi direttori utilizzano quotidianamente e come hanno acquisito tali abilità? La conoscenza della partitura, la gestualità espressiva e la capacità di motivare gli altri sono state spesso citate come importanti. Inoltre, dobbiamo possedere e affinare le nostre capacità organizzative e la nostra competenza negli aspetti non musicali che valorizzano le attività artistiche. Sei dei sette intervistati hanno indicato le capacità pianistiche come vitali per il loro successo. Pur riconoscendo che non tutti i direttori di coro di successo suonano il pianoforte, questo svolge comunque un ruolo importante nella loro esperienza. Per quanto riguarda le loro raccomandazioni per migliorare la direzione e la gestione delle prove, ogni intervistato ha suggerito l’osservazione di buoni direttori durante le prove come il modo migliore per imparare queste abilità. Ciò include i direttori sotto la cui guida si canta, l’osservazione dei direttori nelle altre prove e l’osservazione ‘guidata’ delle registrazioni per l’autoanalisi. Mentre le lezioni di direzione erano importanti, ogni persona ha menzionato l’apprendimento attraverso l’osservazione come uno strumento più efficace per costruire le proprie abilità musicali.

La domanda riguardante le loro riflessioni sui cori americani richiedeva una generalizzazione, ma può fornire qualche suggerimento nel confrontare il mondo corale svedese con quello americano. Rendendosi conto che l’America è un grande paese con molteplici scuole di pensiero, i direttori svedesi hanno potuto riflettere solo sui cori americani che hanno ascoltato; ognuno dei direttori ha riconosciuto questa limitazione.  Molti dei direttori hanno menzionato l’uso eccessivo del vibrato nei cori americani, ma molti di loro hanno detto che questa caratteristica si è evoluta negli ultimi venti o trent’anni, con un numero maggiore di cori che utilizzano un minimo vibrato nelle loro esecuzioni. È interessante notare che ogni direttore – senza eccezioni – ha dichiarato che raramente discutono la tipologia di suono durante le prove. Questo suggerisce che esiste una ‘tradizione sonora’ talmente consolidata da essere attesa in ogni ambito corale. Due direttori hanno suggerito che questo può risultare in un suono monocromatico, meno drammatico rispetto ai cori di altre tradizioni.

Diversi direttori hanno menzionato l’accurata preparazione dei cori americani, con molti cori che cantano a memoria. Questo fattore può anche contribuire alla percezione che i cori americani cantano con più espressione e coinvolgimento nelle esibizioni rispetto ad alcuni cori svedesi. La formazione dei direttori in Svezia sembra concentrarsi sull’applicazione pratica e sulla formazione musicale con meno enfasi nelle aree accademiche (storia, scrittura e ricerca) che in America. L’unica eccezione è stata lo studio delle lingue, dove il sistema educativo europeo introduce le lingue prima e per periodi più lunghi rispetto a quello americano. La mancanza della pratica di altre lingue in giovane età può rappresentare una sfida per i cantanti più maturi, limitando la loro flessibilità linguistica per la crescente quantità di repertorio disponibile di vari gruppi etnici.

Conclusione

I direttori non possono che trarre beneficio dallo scambio di idee e metodi di successo. Ogni cultura e ogni tradizione ha dei punti di forza che vale la pena considerare e adattare a situazioni uniche. Con così tante informazioni prontamente disponibili da ogni computer o tablet, la sfida è quella di esplorare i dati e di distillare le informazioni salienti applicabili alle nostre situazioni. L’esposizione a nuove idee durante i convegni, attraverso riviste di ricerca, e la partecipazione a programmi reciproci, come l’International Conductors Exchange Program dell’ACDA, faciliterà la nostra comprensione della formazione, del repertorio e del continuo perfezionamento dell’arte corale.

 

Questo articolo è apparso originariamente sul Choral Journal Volume 57 Numero 7 (febbraio 2016). Il permesso di ristamparlo è concesso dall’American Choral Directors Association.
Traduzione dall’Inglese di Annamaria Fonti e Andrea Angelini

 

Risorse consigliate per ulteriori approfondimenti sulla cultura corale in Svezia:

Gary L. Anderson, The Swedish Sound, Choral Journal 41, no. 9 (April 2001).

Constance DeFotis and Eric Ericson, An Interview with: Swedish Choral Conductor Eric Ericson, Choral Journal 34, no. 8 (March 1994).

Colin Durrant, Shaping Identity through Choral Activity: Singers’ and Conductors’ Perceptions, Research Studies in Education 24, no. 1 (June 2005).

Stig Jacobsson, Swedish Composers of the 20th Century: Members of the Society of Swedish Composers, 2nd ed. (Stockholm: Svensk Musik, Swedish Music Information Center, 1990).

Nathan Joel Leaf, Hugo Alfvén and His a cappella Choral Music, (D.M.A. diss., The University of Texas at Austin, 2006).

Mark Munson, The Music Profile Classes of Sweden: Enriching a Nation’s Choral Heritage,

Choral Journal 48, no. 10 (April 2008).

Sarin W. Peck, (Sarin Christine Williams), Jazz Elements in Select Finnish and Swedish Choral Music, (D.M.A. diss., University of Missouri-Kansas City, 2011).

Karen Amelia Phillips Soderberg, A Survey of Selected Contemporary Swedish Choral Composers and Literature, (A. Mus. D. diss., University of Arizona, 1991).

Robert Quist, The History of Modern Swedish Music: An Introduction to Nineteen Composers (New York: The Edwin Mellen Press, 2010).

Susan Swaney, Sven-David Sandström: An Overview of His Choral Works and Style, American Choral Review 46, no. 1 (2004).

Sarin Williams, Blending Genres: Elements of Jazz in Finnish and Swedish Choral Music, Choral Journal 55, no. 3 (October 2014).

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